Cindy Sherman

Nació en Nueva Jersey, en 1954. A día de hoy tiene 65 años. Comenzó en el mundo del arte pintando, pero se dió cuenta que lo que realmente era lo suyo, era la fotografía. En todas sus obras es ella la que posa, ya que le gusta trabajar en solitario.

Pasó por varias etapas;

Su primera etapa fue la de fotografías en blanco y negro, adoptando muchos clichés femeninos que había en la sociedad machista, como prostituta, ama de casa, drogadicta, bailarina, etc.

La segunda fue ya a color, pero también con imágenes en blanco y negro, haciendo alusión a la sexualización de las mujeres que se hacía en las revistas masculinas.

Más tarde se dedicó a recrear cuadros renacentistas y barrocas, representando personajes tanto femeninos como masculinos, así como personajes emblemáticos de esa época.

También hizo uso de la caracterización suya de payaso.

Cindy tiene un estilo muy característico; es feminista, pero con cierto toque sádico y con cierta brutalidad en sus fotografías. Aún así ella dejaba el mensaje feminista e igualdad en sus obras. Hace mucho uso de objetos que hoy día se sexualizan, convirtiéndolos en utensilios para dramatizar más la burla de algunas de sus fotografías, como pechos de plásticos.

Estas son algunas de sus obras más representativas:

Voy a proceder a analizar una de ellas, esta concretamente:

No podemos saber el contexto de esta fotografía, ya que no hay nada que nos lo indique más que este realizada, muy posiblemente, en un estudio.

Usa la técnica del blanco y negro, con un encuadre central de la figura. La luz no es fuerte, y probablemente sea artificial, proveniente de focos. Al ser en blanco y negro no hay colores más que la gama de grises, pero haciendo que la figura, caracterizada de colores más oscuros, resalte sobre una pared blanca. No tiene ninguna textura implantada en edición.

Es una imagen realista, ya que se ve una mujer, en este caso la propia Cindy con la piel pintada de negro, con atuendos típicos de la época. Esta fotografía presenta polisemia, ya que el significado es feminista, dándole voz a las mujeres, que tan restringidas estaban en la sociedad de antes, y dando el mensaje de igualdad, pintándose la piel de color negro, y poniendo una pose de mujer empoderada, dando así a entender que las mujeres negras, y todas las mujeres en general, tienen poder sobre sí mismas.

Todo este mensaje lo transmite con una foto minimalista, ya que no hay varios elementos, solo una mujer y un fondo blanco, más concretamente de una mujer con color de piel oscuro, pelo rizado también oscuro, una chaqueta negra sobre una camiseta corta del mismo color, acompañada de una minifalda de color claro y unos tacones de plataforma negros. La pose de la mujer no es natural, ya que está posando para la foto, no está de frente, sino que está de perfil, con el brazo derecho en la cintura y el izquierdo formando un angulo de 90 grados, en señal de poder. Sus piernas están abiertas, con la izquierda adelantada, y en su cara una amplia sonrisa. El fondo blanco es liso, sin tramas ni decoración, el suelo es de madera, donde se puede ver un cable que llega hasta su pie izquierdo, y en la esquina inferior derecha asoma lo que parece ser un abrigo.

Estéticamente la foto se ajusta a la idea principal de Cindy Sherman, que viene a ser el feminismo. Esta foto fue creada para fomentar la idea de que la igualdad entre razas, y el valor de las mujeres iguales al hombre, no inferiores.

A continuación pongo la comparativa de la foto imitada:

Y aquí mi foto inspirada en sus fotografías de payasos:

Comparación imágenes de la historia del arte

Hieratismo Egipcio: Cualidad de las representaciones de mostrar solemnidad extrema (religiosa o no), siendo rígidas, contenidas y monumentales. Es característico de artes arcaicos como el egipcio y se opone al naturalismo. 

Helenismo Griego:  
Periodo de la cultura griega que se inicia con Alejandro Magno, y se caracteriza sobre todo por la absorción de elementos de las culturas de Asia Menor y de Egipto.













Dramatismo Barroco: Se busca expresar sentimientos y estados anímicos, es decir, transmitir emoción. Se destaca el Pathos (emociones incontrolables) sobre el Hete (emociones controladas). 









Realismo Decimónico: Se enfrenta a la idea del romanticismo, de forma que quiere enfrentar la objetividad a la subjetividad romántica. en general, se acepta que el Realismo Decimónico nace con el francés Gustave Courbet, y Jean -François Millet pinta la vida de los campesinos.




A continuación analizaremos las obras y estableceremos las diferencias formales tales como el movimiento, simbología, luz, etc, entre el Hieratismo Egipcio y el Helenismo Griego, y entre el Dramatismo Barroco y el Realismo Decimónico.

Hieratismo Egipcio y Helenismo Griego

Entre estos dos estilos diferentes se puede observar como en el Hieratismo las figuras eran más simples, con poco detalle y muy rígidas, a diferencia del Helenismo que las figuras estaban más elaboradas con mucho detalle y movimiento. En el Helenismo, al ser una escultura, no hacía falta añadirle sombreado para darle más realismo, puesto que las sombras se crean naturalmente, pero en el Hieratismo, que es una pintura, hay ausencia de sombras, por ello sus imágenes no son realistas. En el Helenismo no se representaban necesariamente imágenes de los dioses o gobernantes en sí, sino de mitos y leyendas griegas, pero en el Hieratismo era muy común la aparición de reyes, e incluso la aparición de símbolos que se relaciona con distintos dioses.

Dramatismo Barroco y Realismo Decimónico

En ambos estilos se puede apreciar el detallismo y realismo de las obras, las figuras tienen mucho movimiento dando la sensación de que moverán en cuanto nos descuidemos. Sin embargo, en el Dramatismo Barroco, aparece un uso más marcado de las sombras que en el Realismo Decimónico, en el cual apenas hay sombras porque abunda la luz. En el Dramatismo Barroco las imágenes que se representas suelen ser más atrevidas y, valga la redundancia, dramáticas, haciendo énfasis en las expresiones faciales. También se hace uso de la luz para focalizar la atención en un objeto, figura o lugar del cuadro. En el Realismo Decimónico, sus representaciones son más campestres, con figuras trabajando en tareas del campo. No hay un uso de la luz para focalizar la atención como en el Dramatismo Barroco, sino que se usan las sombras de manera realista, tal y como se observa en la vida cotidiana. En esta corriente no se aprecian simbologías, aunque pueden verse en alguna obra del Dramatismo Barroco

Función destinada de obras de arte

A continuación presento unos cuantos ejemplos de la verdadera función y/o significado de algunas obras;

Póster"We Can Do It"

Este póster creado en la Segunda Guerra Mundial tenía la función de incentivar a las mujeres al trabajo en las industrias, mientras que los hombres luchaban en la guerra, por ello tiene una función exhortativa. Su segundo objetivo era mantener motivados a los empleados durante sus labores.












Esfinge Egipcia

Esta esfinge fue construida por los egipcios con la función de "perro guardián" de la necrópolis. Poco a poco esta esfinge se convirtió en una representación de uno de sus dioses principales, Horus. Pasó de ser guardián a convertirse en un Dios. Más tarde entre sus patas se creó un pequeño santuario para dar culto a dicho Dios. Tiene una función religiosa, ya que nos explica las creencias egipcias en las épocas antiguas, al igual que una función política.





                                                                                    Laocoonte y sus hijos

Esta estatua, en la que podemos ver como Laocoonte y sus dos hijos luchan contra las serpientes. El mito detrás de esta estatua dice que Atenea mandó dos serpientes a Laocoonte y sus hijos debido a que este intentó advertir a los romanos que el Caballo de Troya era una trampa por parte de los griegos. El significado de esta obra es religiosa, al igual que su función, que a su vez era una función política. Representa la lucha entre el hombre y la voluntad de los dioses dispuestos al castigo ante la libre acción de los hombres. Las serpientes representan la muerte, rodeándolos y acechándolos.



Guernica

Esta obra de Pablo Picasso tiene una función propagandística para dar visibilidad a los horrores de la Guerra Civil Española, y una función simbólica. Las dos mujeres que están en ambos extremos del cuadro enmarcan el sufrimiento. Una de ellas, rodeada por llamas, representa el dolor físico, y la otra el dolor psíquico. La bombilla representa un ojo, el ojo que todo lo ve, que ve la catástrofe. Se dice que es un ojo castrado por la sociedad al no ver la realidad obscena de la
destrucción, dolor y muerte. La minúscula flor en el
suelo central representa la esperanza sin sentido. El
hombre, en el suelo con sus brazos en forma de cruz,
simboliza la crucifixión, con el mensaje del sufrimiento
y el sacrificio del hombre.


                                                                             La Virgen y el Niño con el canciller Rolin

En esta obra se representa al donante de la obra, Nicolas Rolin.  Este buscaba salvar su alma con un gran culto a la Virgen. Aquí se lo representa sobre un reclinatorio rezando frente a la imagen de la Virgen con el Niño, quien levanta su mano bendiciéndolo mientras que con la otra sostiene un cetro, símbolo de majestuosidad. El sol poniente representa la presencia del reino celestial. De fondo podemos ver un paisaje muy detallado que representa a Borgoña, sin que sepamos si es un paisaje real o imaginado por el artista. Algunas personas dicen que el lado izquierdo del paisaje es el mundo terrenal y el lado derecho la Jerusalén Celeste, debido a la presencia de sus muchas iglesias, y que los hombres marchando por el puente son los fieles encaminados hacia allí. Tiene una función religiosa, y tal vez simbólica.

Presentación

¡Hola! Soy Carmen Stalpaert, alumna de 1° de Bachillerato de Artes A del instituto IES Heliópolis. Este blog ha sido creado para ir publicando mis actividades de la asignatura de Cultura Audiovisual 1.